Análisis | Project Songbird

Terror íntimo entre acordes y sombras

Hace apenas unos días os hablaba de The Bearer & The Last Flame, un proyecto desarrollado prácticamente en solitario durante años. Y lo cierto es que no es algo tan extraño dentro de la escena independiente. Cada vez es más habitual encontrarnos con juegos que nacen así, desde una sola persona o con pequeños equipos que se van formando sobre la marcha, dando forma a ideas que crecen al mismo ritmo que quienes las crean.

Lo hemos visto también en propuestas como Scholar Adventure: Mystery of Silence o The Shadowed Rune, y también en la experiencia que nos contó Martí Quintana durante el desarrollo de Nocky El Armadillo. Proyectos muy distintos entre sí, pero con ese proceso cercano casi artesanal, donde las ideas no solo se diseñan, sino que se van moldeando con el tiempo, a base de ensayo, error y persistencia.

Y es difícil no conectar esa forma de crear con el tipo de experiencias que luego nos encontramos. Al empezar Project Songbird, no pude evitar acordarme de Luto, el título de Broken Bird Games. No tanto por su forma de jugar, sino por lo que deja en el jugador. Por esa manera de transmitir emociones que no se quedan en el susto o en la tensión del momento, sino que van un paso más allá y se quedan contigo incluso cuando ya has dejado el mando.

Porque, al final, hablamos de sensaciones muy humanas. El duelo, la pérdida, la presión, esa sensación de estar un poco perdido en ciertos momentos de la vida. Experiencias que, tarde o temprano, todos atravesamos de una forma u otra. Y conectar con esa parte de nosotros a través de un videojuego no es algo sencillo.

Y quizá por eso, más allá de sus formas o de sus sistemas, lo que realmente importa en Project Songbird es lo que consigue despertar en nosotros. Porque no siempre se trata de avanzar o superar lo que tenemos delante, sino de reconocernos, aunque sea por un instante, en lo que estamos viviendo. Y cuando un videojuego logra eso, cuando se convierte en espejo, en refugio o en recuerdo, es difícil que desaparezca del todo.

Así que, ahora sí, es momento de adentrarnos en su mundo y dejar que sea la experiencia la que hable.

Nos ponemos en la piel de Dakota, una música atrapada en un bloqueo creativo, presionada por su entorno laboral y por sus propias expectativas. Por recomendación, nuestra protagonista decide aislarse en una cabaña en mitad de los bosques Apalaches con la esperanza de recuperar la inspiración.

El planteamiento puede sonar familiar. Una artista atormentada que se retira en la naturaleza lejos de todo y algo que no va bien. Pero lo interesante está en cómo se desarrolla. Durante los primeros compases, incluso podríamos pensar que estamos ante algo más pausado, casi contemplativo. Pasear por la cabaña, escuchar música, observar el entorno, componer y realizar algunas tareas básicas como limpiar un filtro de agua. Sin embargo al caer la noche todo cambia.

Sin entrar en detalles para no arruinar la experiencia, Dakota sufre pesadillas recurrentes y el juego evoluciona hacia un terror psicológico que juega tanto con el entorno como con la mente de la protagonista.

Y tengo que decir que me ha sorprendido mucho la forma en la que el desarrollador aborda temas como el miedo, la presión creativa o esa lucha constante entre lo que esperamos de nosotros mismos y lo que realmente somos capaces de hacer. Hay también un poso de frustración, de pérdida, que atraviesa toda la experiencia.

En lo personal, me he sentido muy identificada con Dakota en más de un momento. Esa necesidad de querer resolverlo todo al instante… y que el propio juego te frene, casi obligándote a aceptar que no siempre toca avanzar, que a veces hay que parar, observar o incluso esperar. O esa sensación tan reconocible de querer crear algo, de tenerlo en la cabeza con claridad… y no ser capaz de materializarlo como imaginabas.

En ese sentido, una de esas historias que no terminan cuando aparecen los créditos. Se quedan contigo. Y, de alguna manera, te invitan a mirar hacia dentro y a replantearte ciertas cosas.

A nivel jugable, Project Songbird se juega como cualquier otro survival horror. Podremos  explorar, resolver rompecabezas, gestionar recursos y también hacer frente a enemigos. En resumidas cuentas, avanzar, investigar, encontrar herramientas, desbloquear nuevas zonas y sobrevivir.

Sin embargo, donde realmente destaca es en cómo mezcla dos ritmos muy distintos. Por un lado y como os contaba unas líneas más arriba, tenemos momentos más tranquilos, casi cotidianos, donde exploramos la cabaña o sus alrededores. Por otro, las secciones de terror puro, donde el juego se vuelve incómodo, opresivo y en algunas ocasiones, angustiante.

Los puzles, además, tienen un aire bastante “clásico”, de esos que nos obligan a tomar notas, a fijarnos en detalles y a hacer memoria. No todo se nos da mascado, y eso, la verdad, se agradece.

En cuanto al combate, es palpable que no es el foco principal, y se nota. Las sensaciones pueden ser algo rígidas y la variedad de enemigos es limitada, pero cumplen con la función de generar tensión. De hecho, muchas veces la mejor opción no es enfrentarse, sino huir o evitar el conflicto, algo que encaja perfectamente con el tono del juego.

Además, hay herramientas interesantes como el uso del sonido para detectar el peligro, es algo que ya hemos visto en otras propuestas, pero que aquí encaja perfectamente y le da personalidad.

Visualmente, el juego apuesta por una identidad muy marcada. No busca el realismo puro, sino algo más orgánico, casi artesanal. Hay grano en la imagen, desenfoques, filtros de color que recuerdan a cámaras antiguas como si estuviéramos viendo una cinta de otra época.

Y funciona. Porque consigue crear una atmósfera muy particular. Durante el día, todo tiene un aire casi acogedor, incluso íntimo con tonos anaranjados. Pero cuando llega la noche, esa misma estética se transforma en algo inquietante y perturbador.

El apartado sonoro, además, juega un papel clave. La música acompaña sin imponerse, pero está siempre ahí, marcando el tono. Y luego están los silencios, los ruidos en la lejanía, los crujidos y esos pequeños detalles que hacen que miremos por encima del hombro. Un detalle que, en lo personal, me ha parecido especialmente acertado es la inclusión de vinilos como coleccionables. No son simples objetos sin más, sino piezas que aportan identidad mediante discos de artistas reales, con sus portadas y listas de canciones, que enriquecen la ambientación y refuerzan esa conexión tan íntima con la música que define al juego.

Mención especial también para los actores de voz. Aunque el juego llega con voces en inglés y textos en varios idiomas, la interpretación es perfecta, creíble y ayuda a reforzar el peso emocional de la trama.

Project Songbird deja claras sus intenciones desde el primer momento. Nada más comenzar, el propio desarrollador nos recibe con una carta en la que explica que este proyecto nace en una etapa complicada de su vida, marcada por dudas personales, por la búsqueda de identidad y por encontrar su lugar en el mundo. Es una forma de entender la obra antes incluso de empezar a jugar. Y eso se percibe durante toda la experiencia. Más allá de su apartado técnico que, siendo honesta, está a un nivel más que aceptable para un proyecto de estas características, estamos ante un juego que quiere hacernos sentir.

A lo largo de la partida, no han sido pocas las veces en las que me he visto reflejada en Dakota. En esa frustración cuando las cosas no salen como esperamos. En esa necesidad de querer resolverlo todo al instante. En el peso de las expectativas que uno mismo se impone y en cómo la vida, a veces, simplemente no sigue el camino que habíamos imaginado. También en ese aprendizaje silencioso de parar, tomar distancia y entender que no siempre se puede avanzar a la velocidad que queremos.

En ese sentido, el juego cumple con lo que propone. Consigue transmitir todo eso y, además, mantenernos enganchados, con esa curiosidad constante por seguir avanzando y por comprender un poco más.